Monument, 2024
Holz und Plastik

The sound of someone laughing, 2024
Pigmentdruck

Die Welt im Glaskasten bildet eine kleine stille Insel im Trubel des Frankfurter Bahnhofs. Trotz der angedeuteten Geschäftigkeit im Inneren dringt kaum ein Ton nach außen. Dieses Paradox greift das kanadische Künstler:innen-Duo Janet Cardiff & George Bures Miller in seinen Beiträgen für die Miniaturbiennale auf, die ebenfalls ganz ohne Geräusche auskommen.
 
Neben dem Bahnhofsparkplatz der kleinen Stadt ist die Skulptur eines seltsam proportionierten Horn-Lautsprechers platziert. Der verhältnismäßig große Trichter erinnert an eine blecherne Flüstertüte – ein Gerät, das die Ausbreitung von Schall lenkt und damit gesprochene Sprache oder auch Musik über größere Entfernung hörbar macht. Den Fuß der Konstruktion bildet eine Fachwerkstruktur, die an den stählernen Eiffelturm denken lässt. Monument überragt die umstehenden Bäume, Autos und Bewohner:innen der Umgebung: Man stellt sich ein ohrenbetäubendes Getöse vor, das von hier aus über die Platte schallt. Welche Informationen werden wohl mitgeteilt?

Womöglich erklingt ein (stummes) Lachen, das sein Echo oder seinen Ursprung in der Aufschrift The sound of someone laughing an der rückwärtigen Mauer des Bahndamms findet.

Pipe Dreams, 2024
Watte

Die Modelllandschaft erzählt Gegenwart wie im Bilderbuch. Die Miniaturwelt setzt sich zusammen aus stereotypen Merkmalen urbaner und ländlicher Räume: Gründerzeitliche Wohnhäuser und Büroturm, Feuerwache und Hubschrauberlandeplatz, Supermarkt und Bahnhof, Landgasthof, Angelteich und Jägerzaun. Es gibt auch ein Industriegebiet mit Kohleabbau, Kraftwerk und Windkraftanlage. Alles ist so überschaubar! In dieser Vereinfachung von Welterfahrung und Reduktion von Komplexität steckt eine Romantik, die einen ungewöhnlichen Widerhall findet: Rosafarbener Rauch steigt aus den Schornsteinen der Fabrik auf und verwandelt die Abgase in zuckerwatteartige Wolkengebilde. Mit dieser beiläufigen Intervention verwischt das Künstlerinnen-Duo FORT auf eine poetische Weise die Grenzen von Fiktion und Realität noch ein kleines Stückchen mehr.

Material, 2024
Glasaugen, Acryl, Stein

Pig Boots (for a lost puppet), 2024
Polyurethan, Gips, Acryl

Jack Cheethams Installationen bewegen sich zwischen den Welten. Die objekthaften Charaktere und interaktiven Skulpturen eröffnen einen Kosmos semi-fiktionaler Erzählungen, aus denen sich alternative Realitäten fantasieren und spekulative Zukünfte erträumen lassen. Am Rande der Industrieanlage erweckt die Installation Material zwei in die Miniaturlandschaft integrierte Kohlehaufen zum Leben. Mit detailverliebten, handbemalten Glasaugen versehen, stehen sich die anthropomorphen Wesen gegenüber und tauschen Blicke aus. Das Potenzial eines imaginierten Dialogs zwischen den beiden Kreaturen trägt die künstlerische Arbeit aus der Miniaturwelt heraus und hinein in die Köpfe der Betrachter:innen. 
Versteckt in Unterführungen, hinter Brückenpfeilern und Bäumen lässt sich bei genauem Hinsehen die zweiteilige Arbeit Pig Boots (for a lost puppet) erhaschen. Die Skulpturen im Miniaturformat tarnen sich zunächst in ihrer Umgebung. Auf den zweiten Blick transformieren sich die überlebensgroßen Felsbrocken zu einem zurückgelassenen Paar abgetragener Stiefel; auf den dritten Blick offenbart sich ihre tierische Gestalt.

The world at our feet, 2024
UV-Direktdruck auf Affichenpapier, Karton, Holz, Metall
 
Drei historische Schwarz-Weiß-Aufnahmen zeigen Personen bei der Betrachtung von Gebäuden und Szenerien im Miniaturformat oder bei der Arbeit an Architekturmodellen und Filmsets. Montiert sind die Motive auf verschiedenen Displays, die Großplakatflächen nachempfunden sind und als freistehende Elemente installiert oder an Wänden befestigt wurden.
Die Arbeit knüpft an eine Recherche zu Fotografien an, die berühmte Architekten zusammen mit ihren Architekturmodellen zeigen, die Pedrina erstmals im Künstlerbuch Models veröffentlichte. Im Zentrum steht dabei die Inszenierung des zumeist männlichen Architekten als gottähnlichen Schöpfer von gesellschaftlichen, in Architektur gegossenen Utopien oder als Erschaffer fiktionaler Welten, die zur Bühne für filmische Illusionen werden.

The world at our feet befragt das (Größen)Verhältnis der menschlichen Körper zum Modell, die Machtkonzentration, die mit der Rolle der Architekt:in verbunden ist, und führt die Erschaffer:innen dieser Welten als Miniaturen selbst in eine solche ein.

Never Sleep, 2015 / 2024
Modell Neon Schriftzug
Draht, Sprühfarbe

Wer schläft, produziert und konsumiert nicht. Die Ideologie ständiger Verfügbarkeit und dauerhafter Erreichbarkeit zeitgenössischer, kapitalischer Gesellschaften erheben Schlaflosigkeit zur Tugend. In großen, roten Lettern prangt der Imperativ Never Sleep (2015) an den Streben der Eisenbahnbrücke über der Stadt. Es ist eine unmögliche Handlungsanweisung, die gleichzeitig dazu auffordert, immer wachsam zu bleiben, sich nicht zu entspannen und stets auf der Hut zu sein. Im Kontext der dauerhaft ausgeleuchteten, stillstehenden Miniaturlandschaft, die wie eine Art Scheinwelt am immer in Bewegung begriffenen Nicht-Ort des Hauptbahnhofs steht, sorgt dieser doppelbödige Ausspruch für gezielte Verwirrung.  
Tim Etchells Neon-Schriftzüge greifen die Vieldeutigkeit, Lebendigkeit und Fragilität von Sprache auf und übertragen sie in paradoxe Botschaften und Sprachbilder, die uns aufmerksam werden lassen.

Noise blanket no. 50, 2024
Silikon, Leinwand, Polypropylenfasern

Noise blanket no. 51, 2024
Silikon, Leinwand, Polypropylenfasern

Jacqueline Kiyomi Gork hat Lärmschutzverkleidungen für die Schnellzugbrücke der Miniaturwelt entworfen. Die flexibel installierbaren Module aus Silikon lassen die Brücke durch ihre die Umgebung referenzierende Farbgebung in der Landschaft aufgehen. Gork wendet sich damit Fragen nach der realistischen Darstellung von infrastrukturellen Problemen in urbanen Räumen, speziell der Lärmbelästigung durch Zugstrecken oder Autobahnen, zu, deren akustische Konsequenzen in den wenigsten Modelllandschaften ästhetisch mitgedacht werden. Diese ‘Logikfehler’ fallen den wenigsten Betrachter:innen auf den ersten Blick auf, täuscht doch der oftmals nostalgisch verklärte, detaillierte Gesamteindruck darüber hinweg, doch müssen sie für die Miniaturbewohner:innen fatale Folgen haben.
Von außen betrachtet bietet die Arbeit eine zweite Lesart an: Die dämmenden Elemente verschlucken den Sound der vorbeifahrenden Züge, wodurch ein dem Anordnungsmuster entsprechender Rhythmus entsteht, der für die Besucher:innen von außen hörbar wird.

Column, 2024
Miniatur eines Speditions-LKW, Messing

Oft zielt die Inszenierung eines Kunstwerks darauf ab, dass es mit seiner Umgebung harmoniert oder einen bewussten Kontrast erzeugt – und auf jeden Fall so wirkt, als gehöre es ganz selbstverständlich an diesen Platz. Aber wie ist es eigentlich an diesen Ort gekommen? Wie gelangt die Kunst aus dem Atelier in eine Ausstellung oder in den öffentlichen Raum? Das Transportmanagement bleibt dem Publikum in der Regel verborgen, ja, es wird geradezu versteckt. Als würde das Wissen um diese profane Seite die Betrachtung der Kunst stören und ihrer Illusionskraft Abbruch tun.

Mit Column kreiert Johannes Moeller eine Situation, die scheinbar einen Blick hinter diese Kulissen erlaubt: Aus der geöffneten Laderampe eines weißen LKWs ragt die Fracht heraus: eine aus Messingband gefaltete Hexentreppe, die in ihrer Formwiederholung an Skulpturen der Moderne erinnert. Das Objekt ist jedoch viel länger als der Laderaum selbst – eigentlich unmöglich, dass es so transportiert wurde. So wird das Speditionsauto zum Podest der Kunst, zum Symbol einer anderen Form der Arbeit, die der künstlerischen Praxis entgegensteht, und suggeriert eine Bewegung im Kontrast zur Stasis der Skulptur.

Penrose Steps, 2024
Karton, Graphit, Farbstift, Klebeband

Ein einziges Hochhaus überragt die pittoreske Miniaturstadt. Mit zentraler Lage und dem Versprechen auf eine gute Aussicht verkörpert der “Faller-Turm” ein vorstellbares Pendant zu hochpreisigen Investment-Penthäusern in Metropolregionen. Am gegenwärtig verknappten Immobilienmarkt führt die Frage nach Wohnraum und architektonischen Bestand nur vereinzelt zu einem Denken in die Höhe. 
Für ihre Serie Plinth (2021) lud Shirin Sabahi Künstler:innen ein, Dachaufbauten für akkurat gefertigte Gebäudesockel zu imaginieren und die neutralen Modelle skulptural aufzustocken. Penrose Steps ist Sabahis eigene künstlerische Reaktion auf die Tendenzen urbaner Stadtentwicklung und verhandelt das komplexe Verhältnis von Oben und Unten. Frei von ökonomischem Denken setzt sich die unmögliche Figur wie ein Hut auf das Hausdach. Angelehnt an die Überlegungen der britischen Mathematiker Penrose bewegt sich der skulpturale Eingriff zwischen Architektur und Wahrnehmungsverzerrung. Als dreidimensionale Treppe, die in sich selbst zurückläuft, erzeugt sie die optische Illusion von Unendlichkeit und ist zugleich physikalisch unbezwingbar.

Kinderfilm, 2023
Video, 11:35 Min.

Die sogenannten Machinimas, auf populären Computerspielen basierende Kurzfilme, sind seit 2018 zum Markenzeichen Total Refusals geworden, die sich selbst als ‘pseudo-marxistische Medienguerilla’ bezeichnen. Ausgangspunkt der Filme des Kollektivs ist die kritische Analyse dieser virtuellen Welten – so auch in Kinderfilm: Es ist ein ganz gewöhnlicher Tag im Videospiel “Grand Theft Auto V”. Die Straßen sind voller Autos; Menschen folgen, wie auf Schienen, ihren täglichen Routinen, veranstalten ein Barbecue im Garten oder liegen am Strand in der Sonne. Und doch ist die Spielwelt durch eine Abwesenheit gekennzeichnet, die schwerwiegende Folgen hat – eine fehlende Jugend, die als vorbeugende Schutzmaßnahme vor Gewaltfantasien ausgespart wurde. Unfähig diese Leere zu begreifen, ist der Protagonist Edgar der Frage auf der Spur, was denn wohl in den Algorithmen seiner Lebenswelt fehlt. Während er den Betrachter:innen die Unheimlichkeit seiner Normalität zeigt, entdeckt Edgar eine schöne und gleichsam albtraumhafte Welt neu.

Destiny’s Teeth, 2024
Kunstharz

In der Landschaft der Miniaturwelt verstreut liegen eine Reihe Zähne. Es scheint, als seien sie einer Person beim Betrachten der Szenerie aus dem Mund gefallen und als menschliche Artefakte in die Landschaft eingegangen. Dieses surreale Bild löst Unbehagen aus. Nicht nur in der Traumdeutung wird der Verlust von Zähnen als ein Kontrollverlust interpretiert – auch ganz real bedeutet er eine erhebliche Einschränkung von Lebensqualität. Mit den Zähnen zerkleinern wir unser Essen und formen unsere Sprache. Es steckt also eine Menge Autonomie in einem intakten Gebiss. Die Zähne selbst können aber auch jenseits unserer Körper existieren. Als Überbleibsel menschlicher Existenz, von ihrer ursprünglichen Funktion befreit, überdauern sie bis zu Jahrtausenden. Der Körper, von dem sie einst Teil waren, ist dann schon längst vergangen.
 
Für das objet trouvé Destiny’s Teeth nutzt Maje Mellin maßstabsgetreue Modellzähne aus der Zahnmedizin. Ihre Präsenz bricht mit der Illusion der Miniaturlandschaft und führt den menschlichen Körper in seiner Fragmentierung und Vergänglichkeit als Maßstab in diese ein.

Men, 2024
3D-Druck, Kunststoff

Men ist eine Arbeit, die die Künstlerin speziell für den Kontext dieser Ausstellung entwickelt hat. Der 3D-Druck zeigt zwei humanoide Figuren in Overalls, deren Köpfe jeweils an den eines Hundes und den einer Ratte erinnern. Beide scheinen ein kunstvolles, mit Ornamenten verziertes Objekt bewegen zu wollen, das mit einem Haken an einem Lastenkran befestigt ist. Die Gruppe fügt sich fast unauffällig in das zentrale Fabrik-Sujet der Miniaturlandschaft ein. Nur die leichte Verschiebung im Maßstab und das bewusst gewählte steril-weiße Material der Figuren verdeutlichen die Absurdität der Szene. Während Genevieve Goffman die Ästhetik des Genres Fantasy fetischisiert, ist dabei die Beleuchtung des komplexen Verhältnisses von Fantasie, Geschichte und Technik ihr eigentliches Anliegen. Indem Goffman ein wertvolles Artefakt anstelle von Kohlesäcken an der Kranvorrichtung anbringt, macht sie die Geschichte des verhängnisvollen Verhältnisses von der Erfindung der Dampfmaschine und menschlichen Gier auf, die einen eurozentrischen Imperialismus begünstigten, der globale Auswirkungen nach sich zog.

Messeturm, 2024
3D-Druck, Kunststoff

Béla Feldberg fügt ein Stück lokaler Baugeschichte in die Miniaturlandschaft ein.
Seine Skulptur ist vom Frankfurter Messeturm inspiriert, der bei seiner Fertigstellung 1991 als höchstes Gebäude in der EU galt und für viele ein Wahrzeichen des Siegs des Kapitals gegenüber Bürger:inneninteressen ist. Noch in den 1970ern kämpften Anwohner:innen im „Frankfurter Häuserkampf“ erfolglos um den Erhalt von Wohnraum im Westend, der letztlich zugunsten der Schaffung von Bürobauten von der Stadtpolitik aufgegeben wurde. Bei Feldberg scheint sich der Turm wie im Nachbeben des Protests zu winden und verliert dabei seine phallische Bleistiftform.

Inspiriert ist die Arbeit auch von den Zeichnungen Madelon Vriesendorps, einer der Gründer:innen des Office of Metropolitan Architecture, das für seine avantgardistischen Entwürfe bekannt ist. In ihren Zeichnungen und Grafiken werden Wolkenkratzer zu flexiblen, menschenähnlichen Gestalten, die gemütlich im Bett liegen oder sich über eine Kuchentafel beugen.